·Música disco

La música disco fue un género de música de baile derivada del R&B (Rhythm & Blues), que mezcló elementos de géneros anteriores como el funk y el soul, con toques latinos en muchos casos, y que se popularizó en las salas de baile (discotecas) a mediados de los 70

Música Disco

-Orígenes musicales:
Funk, R&B, Soul

-Orígenes culturales:
Primera mitad de los 70 en Estados Unidos

-Instrumentos comunes:
Sección de cuerda, Sección de viento, teclados, guitarra, bajo, batería, voz.

-Popularidad:
Muy alta en Estados Unidos y Europa continental, durante la segunda mitad de los

70
Subgéneros
Sonido Filadelfia, Sonido New York, Sonido Los Angeles, Sonido Munich

-Fusiones
Hip hop, Dance, House, Groove, Acid Jazz

*Características generales

-Estructura musical
·Ritmo
Esfera representante de la epoca disco
La música disco dominó la corriente principal del pop hasta los primeros años 80. Las canciones disco, usualmente, estaban estructuradas con voces reverberadas sobre un repetitivo ritmo cuaternario, marcado por una figura de charles de ocho o dieciséis tiempos, con hit-hat abierto en los tiempos libres, y una predominante línea de bajo sincopado.
Son fácilmente reconocibles por sus ritmos repetitivos (generalmente entre 110 y 136 beats por minuto) y pegadizos, con frecuencia inspirados por ritmos de origen latino: Merengue, rumba, samba...

Armonías y arreglos

El sonido orquestal usualmente conocido como sonido disco, se fundamentaba en la presencia de secciones de cuerda y metales, que desarrollaban frases lineales en unísono, tras la base instrumental formada por el piano eléctrico y la guitarra eléctrica (con toques claramente tomados del funk). Al contrario que en el rock, la guitarra solista es inusual.
El resultado era una especie de muro de sonido, brillante, con los grupos orquestales tomando los papeles solistas y con un background armónico con progresión de acordes bien definida (menor/séptima/menor), con predominio de los acordes de séptima mayor.

Ámbito temporal El ámbito temporal comprende desde 1973 a 1983, aproximadamente, con un revival en los años 1990.
Los principales intérpretes de música disco aparecieron a mitad de los 70, incluyendo a Donna Summer, The Jackson 5, Barry White, The Bee Gees,Kc and the sunshine band y ABBA. Muchos artistas que, normalmente, no trabajaban el género, grabaron canciones disco en la cima de su popularidad.
Películas como Fiebre del sábado noche y ¡Por fin es Viernes!, contribuyeron al despegue de la música disco entre el público.
Aunque la música disco declinó en popularidad a comienzo de los años 80, tuvo una gran influencia en el desarrollo de la música de baile electrónica (Dance) de los años 80 y 90, en géneros como el House o el Techno.

*Historia

-Orígenes

·Soul de finales de los 60

La música disco toma sus raíces del soul de finales de los años 60, y en el proceso de evolución toman parte un importante número de artistas del género, que van aportando paulatinamente los elementos que acabarán definiendo la música disco.
Barry White es uno de estos nexos entre el soul antiguo y el surgimiento del nuevo género, al ser el primero que resaltó el papel del ritmo frente a las melodías y arreglos orquestales. Sin embargo, quizás sea el tema de Jerry Butler, "Only the Strong Survive" (1969), el primer ejemplo de combinación de los elementos que definirían la música disco. Este tema aunaba los sonidos del soul de Filadelfia y New York, junto con las evoluciones del Sonido Motown.
El soul de Filadelfia se caracterizaba por su percusión hipnótica, y su huella se ve claramente en temas como "Soul Makossa" (1972), de Manu Dibango, uno de los primeros temas disco de la historia.
Sin embargo, el término disco no fue utilizado hasta que el crítico Vince Aletti lo incluyó en la revista Rolling Stone, en su artículo "Discotheque Rock '72: Paaaaarty!"

·Studio 54 y otras salas

Si se pudiese llamar así, el fortín de la música disco sería la célebre discoteca neoyorquina "

Studio 54" donde los pinchadiscos, con la finalidad de prolongar la diversion, utilizando dos platos con una misma canción, lograron extender la duración de los temas exitosos. Eso dio como resultado las versiones de 12 pulgadas, donde se invitaba a bailar, moverse disfrutando de la música, según el término definitorio del momento: Boogie.
Algunas otras salas de baile también tuvieron su prestigio: The Limelight, Magique, L'amour, Sanctuary, Paradise Garage, etc...

·Primeros éxitos en las listas

-El tema

Rock The Boat" de The Hues Corporation (1974) fue nº 1 en los charts de singles y vendió un millón de copias, convirtiéndose así en el pionero de los grandes éxitos de la música disco.
También alcanzaron este privilegiado status otros temas como "Love's Theme", de Barry White & Love Unlimited Orchestra, a comienzos de 1974. Ese mismo año, Gloria Gaynor publicó el primer álbum de vinilo con formato disco mix que alcanzó el nº 1 de las listas, gracias a que incluía una versión de un tema de The Jackson 5, "Never Can Say Goodbye", y otras dos canciones
Pero fueron los Bee Gees quienes pusieron cara a la música disco. El grupo había sido popular en la década anterior por sus baladas pop, e incluso habían competido con los Beatles en los charts, aunque habían desaparecido durante algún tiempo. La habilidad de Barry Gibbs para cantar en falsete y la inmersión del grupo en el disco, le proporcionaron su primer nº 1 después de muchos años con Jive Talkin (1975) y, sobre todo, con You should be dancing. Ambos temas se incluyeron, posteriormente, en la banda sonora del film Saturday night fever.
En 1975, éxitos como "The Hustle", de Van McCoy o "Love to Love You, Baby", de Donna Summer, acabaron por consolidar la primacía de la música disco. Hubo muchos otros temas de gran éxito, a nivel mundial, entre 1974 y 1975: The Jackson 5 con "Dancing Machine" (1974); Barry White y su "You're the First, the Last, My Everything" (1974); "Lady Marmalade" (1974) del trio Labelle; The Four Seasons y su "December, 1963 (Oh, What a Night)" (1975); o Silver Convention, con "Fly Robin Fly" (1975).

-1976-1979:Edad de oro

A partir de 1976, un gran número de artistas que nunca antes habían tocado el género, comienzan a grabar canciones disco, en muchos casos por imposición de las discográficas, buscando un hit. Ejemplos notables de esto, fueron temas como Got to give it up (

Marvin Gaye, 1977);You Make Me Feel Like Dancing (Leo Sayer, 1977); Copacabana (Barry Manilow, 1978); I'm every woman (Chaka Khan, 1978); Silly love song (Wings, 1978);Boogie Nights (Heatwave 1978) Do You Think i'm Sexy? (Rod Stewart, 1979); Last train to London (Electric Light Orchestra, 1979); In the navy (The Village People, 1979) o los éxitos de Michael Jackson, Don't stop `til you get enough y Off the wall (1979).
La publicación de la Banda sonora de la película Fiebre del Sábado noche (1977), uno de los álbums más vendidos de la historia del pop, catapultó a los Bee Gees a los nº1 de los charts, con ocho singles diferentes, entre los que destacan Stayin' alive, Night Fever y If I can't have you, convirtiéndose de esta forma en los reyes del disco.
Incluso algunas bandas de rock de primera línea, publicaron temas con claras influencias disco: Miss you de Rolling Stones, I was made for lovin'you de Kiss, etc...

-El declive del género

·Los anti-disco

La popularidad de Fiebre del Sábado Noche, llevó a las grandes discográficas a inundar el mercado de productos disco hechos de forma mecánica y homogeneizada para cubrir la demanda creciente de la audiencia. El adocenamiento de estos productos, y la aparición de alternativas de baile evolucionadas (Dance, Techno...), crearon un sentimiento anti-disco cada vez más perceptible. Las emisoras de radio comenzaron a abandonar la música disco, sobre todo a partir de 1979.
La emergencia de escenas alternativas, tanto en el rock (Punk, New wave...) como en la música R&B (Rap, Hip hop...) también contribuyeron al declive del género.
El 12 de julio de 1979, tuvo lugar una acción anti-disco en Chicago, impulsada por diversos DJs de emisoras de rock, como Steve Dahl, Gerry Meier o Michael Veeck, y que adoptó formato de evento, bajo el nombre de Disco Demolition Night. El asunto incluyó la quema de discos y acabó con un fuerte enfrentamiento con la policía, y numerosos arrestados. Este conflicto, influyó seriamente en el cambio de paisaje en los charts.
No obstante, aún continua habiendo algunos éxitos disco a comienzo de los ochenta, aunque con un estilo evolucionado y simplificado: Lipp's Inc. (Funkytown, 1980); Kool & the Gang (Celebration, 1980); The Weather Girls (It's raining men, 1982); The Pointer Sisters (I'm so excited, 1982); The Mary Jane Girls (In My House, 1983); Prince (1999, 1983); Irene Cara (Flashdance, 1983); Madonna (Lucky Star, 1983) o Michael Jackson (Thriller, 1984).

·Del sonido disco al sonido dance

La transición entre la música disco de los 70 y el Dance de los 80, se produce básicamente en los estudios de grabación. Según afirmaciones de

Gloria Gaynor, el cambio se origina debido a que los productores comienzan a perder dinero en sus últimas ediciones. Así que se sustituyen las secciones de cuerdas y viento, y el amplio plantel de músicos de sesión por sofisticados Secuenciadores y Cajas de ritmos.
Paralelamente, el género, ya decadente, asimila variadas influencias del jazz y el blues, generando nuevas vías de desarrollo (Acid Jazz, Groove) que inundan las discotecas de USA y Reino Unido entre 1980 y 1983. Entre los primeros ejemplos de Dance ya reconocible, encontramos a D.Train, Kashif o Patrice Rushen
El single Planet Rock de Afrika Bambaataa (1982), y producido por Arthur Baker, marca el giro definitivo del disco hacia el hip-hop y el techno, fuertemente influenciado, entre otros, por Kraftwerk y su Trans-Europe Express.
Serían, finalmente, productores como el propio Giorgio Moroder en Europa, y Larry Levan o Frankie Knuckles en USA, quienes, jugando con loops y bajos poderosos, impulsarían el House, vinculado a clubs como el Paradise Garage (New York) o el Warehouse, en Chicago.

·El Revival de los 90

La aparición de algunos discos de artistas renombrados, a mediados de los noventa, que incorporaban elementos claramente disco, originó un breve resurgir del género.
Publicaron canciones neo-disco, artistas como

U2 (Lemon,1993), Brand New Heavies (Spend some times, 1994), Jamiroquai (Cosmic girl, 1996), Spice Girls (Who do you think you are, 1997) o Kylie Minogue (Spinning around, 2001).
Aunque las influencias de la música disco permanecen aún en temas actuales (por ejemplo, Free my love de Suzanne Palmer, o algo de lo que hace Scissors Sisters 2007), puede decirse que el género ya es pasado.

*Subgéneros

-Variantes regionales

En la época de mayor esplendor (mediados de los 70), aparecieron un gran número de variantes regionales del género, en algunos casos consecuencia de las características especiales de algunos artistas, en otros como consecuencia de conceptos de

producción y/o arreglos musicales. Entre estos subgéneros locales, cabe destacar:
El Sonido Filadelfia, una creación de los productores y compositores Humble y Huff, y que generó una larga lista de números uno, con grupos como MFSB, The O'Jays o The Three Degrees, y solistas como Patti Labelle o Billy Paul.
El Sonido New York, con temas de los artistas residentes de Studio 54, como Van McCoy, Grace Jones, Amanda Lear o LaBelle, con su espectacular éxito Lady Marmalade.
El Sonido Los Angeles, que incluía grupos como Tavares, Love Unlimited Orchestra o Phyllis Hyman.
El Sonido Munich, con artistas como Donna Summer, Boney M o Giorgio Moroder.

-Los DJs

El propio concepto del género, y su estrecha vinculación con las pistas de baile, otorgaron un papel relevante a los

DJs en la popularización de la música disco. Con el tiempo, los más relevantes, fueron incorporando elementos de creación a su trabajo con los vinilos, llegando a generar fórmulas rítmicas propias que fueron asumidas por los productores. Una línea de desarrollo de la música disco, enlaza directamente con el hip-hop (Afrika Bambaata).
Entre los DJs más importantes, cabe recordar a Walter Gibbons, David Mancuso, John Benitez y Richie Kaczar (ambos de Studio 54), Francis Grasso, Ian Levine, Mike Pace, Preston Powell, etc...

-Música disco fuera de USA

La música disco inundó igualmente Europa, con bandas como ABBA, claramente instaladas en el género, y que dominaron las listas durante finales de los 70 y comienzo de los 80. Otro grupo europeo muy influyente, fue Boney M, integrado por cantantes y bailarines de las Indias Occidentales y lanzados en Alemania por el productor Frank Farian, además de los representantes del Sonido Munich, Donna Summer y Giorgio Moroder.
En Francia destacó el hit disco de la cantante Dalida, J’attendrai, que ocupó los nº 1 de los charts en multitud de países, como Canadá o Japón. A finales de los 70, el DJ José Luis Cortés "El Maromero", impulsa el género en México, dándole un toque muy especial.
En Belgica, el Grupo Two Man Sound desarrolló su trabajo en diversos idiomas, destacando su Hit Disco Samba, que los dio a conocer con su mezcla de ritmos brasileños y ambientes disco electronicos.
En España, en la segunda mitad de la década, y comienzo de los ochenta, hubo algunos intentos de música disco, entre los que destacó, sin duda, el grupo Barrabás, junto con otros artistas que lograron algunos éxitos de ventas (Baccara, Apache, etc...). Sin embargo, el grupo que mejor sintetizó el sonido disco, la Fundación Tony Manero, aparece con el revival de los años 90.

*Información adicional

-Artistas disco

Este es un listado, no exhaustivo, de artistas disco y sus temas más conocidos.
Abba-Dancing Queen
Arpeggio-Saturday Night
Barry White-My first, my last, my everything
Bee Gees- Stayin' alive, night fever
Boney M-Rivers of babilon, rasputin, ma baker
Celi Bee-Superman
Charo-Dance a Little Bit Closer
Chic-Dance Dance Dance, Le freak
City-Roller Disco
Dazz Band-Let It Whip
Diana Ross -I'm Coming Out, Upside Down
Donna Summer-Love to love you, baby, Bad Girls, Hot Stuff, Last Dance
Earth, Wind & Fire-Let's Groove Tonight, september
Edwin Starr-Happy Radio, Contact, War
France Joli-Come To Me
Eruption-I Can't Stand The Rain
Garys Gang-Keep On Dancing
Gloria Gaynor-I Will Survive, Never can say goodbye
Gonzalez-Havent Stopped Dancing
GQ-Disco Night
Haddaway-What is Love
Heatwave-Boogie Nights
Jamiroquai- Cosmic Girl
Jimmy Bo Horne- Spank, it is in
Kano-Ready
KC and The Sunshine Band-I'm Your Boogie Man, That the way i like it
Labelle - Lady Marmalade
Leif Garret-I Was Made For Dancing
Musique-Keep On Jumping, push, push (in the bush)
Silver Convention-Get Up and Boogie
Sister Sledge-He's The Greatest Dancer, we are family
Sylvester-Dance (Disco Heat), You make me feel
Taste of Honey-Boogie Oogie Ooogie
Tina Charles-Dance Little Lady Dance
Village People-YMCA, In the navy, go west
The Emotions-best of my love
Kool & The Gang-Get dawn on it, celebration, open sesame, Ladies' Night
The trammps-Disco Infierno, Hola back the night
Patrick juver-got a feeling, I love america
Teena marie-I need you love
Rick James-Super freak
Hues corporation-Rock the boat
Andy gibb-I just want to be your
Yvonne Elliman-If I cant have you
Irene Cara-Fame, Hot lunch jam, Flashdance (What a feeling)
Lipps Inc-Funkytown, designer music
Love and kisses-Thank god it´s friday
Dan Hartman-Relight my fire, Instant replay, I Can Dream About You
Thelma Houston-Don't Leave This Way
Anita ward-Ring my belt
Patrick Hernandez-Born to be alive
Blondie-Heart of glass, Call me
The Rolling Stones-Miss you
Rod Stewart-Da ya think I'm Sexy

-Pop


-Orígenes musicales:
Rock and roll, Disco, Folk, Jazz

-Orígenes culturales:
Reino UnidoEE. UU.A mediados de 1950

-Instrumentos comunes:
Guitarra, Bajo, Batería, Teclado, Piano

-Popularidad:
Continua teniendo fama desde los años 1960

-Subgéneros
Pop rock, power pop, indie pop, teen pop, noise pop, dance pop, pop punk, pop barroco, electro pop, synthpop, nuevo pop

La música Pop es un género musical que, al margen de la instrumentación y tecnología aplicada para su creación, conserva la estructura formal "verso - estribillo - verso", ejecutada de un modo sencillo, melódico, pegadizo, y normalmente asimilable para el gran público. Sus grandes diferencias con otros géneros musicales están en las voces melódicas y claras en primer plano y percusiones lineales y repetidas. Empezó en el siglo XX en Inglaterra, en la década de los 60.
Históricamente, la expresión "música pop" no era entendida como un género musical con características musicales concretas. Lo catalogado como música "Pop", apócope de “música popular”, era entendida como lo contrario a la música de culto, a la música clásica. Bajo esta definición entraban géneros como, el funky, el folk o incluso el jazz. El pop era entendido como ese gran grupo de música para la gente de escasa cultura musical. Con el tiempo, el pop ha ido ganándose su acepción como género musical independiente, librándose, además, del sentido peyorativo y negativo al que se le vinculaba.
El pop, nombre que procede de música popular, es el género musical más extendido entre la cultura juvenil de principios del siglo XXI. Dejando atrás al género rock, aunque éste tenga muchos seguidores y haya servido de influencia, sea directa o indirecta, a muchos intérpretes o grupos de música pop. También podemos decir que dentro del amplísimo género del rock existen intérpretes y bandas que en cierto momento suelen ser considerados música pop.
A pesar de ser un género absolutamente híbrido (noise-pop, Britpop, electro-pop, tweed pop), las clasificaciones más conocidas y aceptadas son: indie pop y pop comercial; pop electrónico y pop tradicional. La proliferación del pop y sus múltiples subgéneros hace imposible que estas clasificaciones representen divisiones puras.

-Subgéneros de pop

-Mainstream (pop comercial)
La dura y controvertida comercialidad del pop se ha hecho muy significativa en artistas de la talla de Madonna, Britney Spears, Christina Aguilera, Hilary Duff, Kylie Minogue, Gwe Stefani, Prince, Janet Jackson o Elton John por las altas ventas de los albumes de estas. Michael Jackson, el cantante más rentable de este género, quien ha vendido unos 750 millones de albumes, Madonna con aproximadamente 300 millones de álbumes; la prominencia comercial del género es duramente criticada, ya que comúnmente es considerado un género "frívolo" por solo dedicarse a vender sus álbumes y no presentar una verdadera aportación al género.
La ya mencionada Madonna se vio en sus inicios apoyada por grandes campañas publicitarias, pero fue en lo que muchos consideraban su declive (como otros tantos artistas pop), cuando dejó a un lado esta comercialización y los álbumes consecuentes se vieron más enfocados a la experimentación de ritmos y mezclas de generos, logrando superar la subestimación del género y de la artista, además de marcar nuevas pautas en el género y ser unas de las pocas artistas pop que trancendien en el género marcado por la comercialidad, quedando en los charts con alti-bajos durante 25 años [En el 2000, el Libro Guinness de los Récords publicó que Madonna es la "Artista Femenina más Exitosa de Todos los Tiempos".
Es el pop que encontramos en radiofórmula, ayudado por grandes compañías discográficas con unos objetivos económicos muy claros y definidos. A estos fines se ven sometidos los artistas, que en ocasiones funcionan como verdaderos productos de temporada. Es una música de consumo, que vive poco tiempo (en ocasiones, sólo los meses de verano), y cuyo contenido en muchas ocasiones es convencional y estándar. Es justo reconocer que dentro de este grupo, y aún amparados por campañas de marketing muy grandes, también existen grupos y solistas que gozan de una calidad contrastada y de libertad creativa por parte de sus compañías.
En la sociedad de consumo el primer objetivo de un producto es que cree los máximos beneficios posibles y el pop cumple con esta norma. Es uno de los géneros con mayor potencial de consumidores y esto lo han aprovechado las cadenas de televisión para crear artistas del género en programas como Popstars u Operación Triunfo, y que tienen grandes audiencias.

Sin duda una de las características que definen el carácter de este género es el furor que las estrellas del pop producen en los denominados fans, que en castellano tienen una connotación mucho más seria: "fanáticos". El marketing, los programas específicos de música pop, la promoción radiofónica y vídeos-DVD son algunas de las manifestaciones de este mundo.

En la decada de los 90 el definido "Teen pop" hace su reaparición. Cantantes hasta ese momento desconocidos como Britney Spears (quien revolucionó el mundo de la musica pop) y meses después Christina Aguilera, ocuparon los primeros lugares en las listas de discos más vendidos. A raíz del éxito de éstas, aparecieron nuevos artistas como Mandy Moore y Jessica Simpson. Aparecen grupos que mezclan este genero con otros ritmos, en Latinoamérica el más notable es Maná y en Estados unidos es No Doubt (De donde salió Gwen Stefani); También aparecieron "boy bands" como Backstreet Boys o NSync. Además en latinoamérica los cantantes con mayor reconocimiento son Shakira, Thalia, Paulina Rubio, Luis Miguel, Bandana y RBD, entre otros. Estos artistas suelen estar presentes en los medios de comunicación, muchas veces al margen de su carrera musical.
Este teen pop musicalmente es urban pop, pop inspirado en el R&B moderno. La instrumentación es de sintetizadores y electrónica, con matices de instrumentos tradicionales como guitarras. Hay algunas baladas de grupos como Backstreet Boys o NSYNC que son R&B o pop/R&B.
Por otro lado Kylie Minogue comenzó su carrera con la compañía más poderosa en este género durante los años 80 (PWL) junto a los compositores y productores discográficos Stock, Aitken y Waterman, pero a la larga éstos la abandonarían dando paso a la carrera de Kylie en solitario, aunque los años 90 no fueron de gran éxito para ella, es a partir del 2000 donde se convierte en un icono en la cultura pop europea y en 2001 se consagra a nivel mundial con el exitoso álbum "Fever" el más grande de su carrera hasta los momentos de donde saldría una de las canciones más escuchadas de la historia de este género musical, "Can't get you out of my head" sencillo que vendió cerca de 9 millones de copias y que llego a ser #1 en más de 40 países. Gwen Stefani Ex integrante de No Doubt, ha mejorado sus ventas, de 8 millones de copias por todo el mundo en 2 años, a 3,2 millones con su segundo álbum en tan solo 8 meses de ventas, o Hilary Duff que ha su corta edad de 16 años su primer album vendio mas de 7 millones de ventas y que ha alcanzado en numerosas ocasiones el puesto numero 1 del billboard.
Por el lado femenino de las ex grilsbands Valeria Gastaldi de Bandana y Melanie C de Spice Gurls se ubican dentro de las artistas femeninas que más proyeccion musical tienen dentro de la música pop.
Por el lado masculino los ex boybands Justin Timberlake de N'Sync y Robbie Williams de Take That se ubican dentro de los artistas masculinos que más venden en el género pop.

-Pop independiente (Indie y New pop)

A ésta pertenecen todas las agrupaciones cuyas compañías discográficas no cuentan con grandes presupuestos y que por tanto no compiten con el "mainstream". Su carácter underground les confiere cierto carácter de culto, que se incrementa en ocasiones con una lírica creativa algo difícil de asimilar en una primera escucha. La creación musical está fortalecida frente a la promoción o la rentabilidad del producto. Frecuentemente engloba a formaciones musicales incluso sin distribución y/o edición de la obra pero con gran ámbito de notoriedad en sus localidades de origen. Las primeras formaciones en darse a conocer por este tipo de sonidos fueron bandas tales como Los Piratas e incluso Niños Mutantes, la primera de ellas hoy inexistente. A día de hoy, los máximos exponentes de este tipo de música (aunque por muchos ya considerado Pop convencional) son "Planeta Fandos" , Deluxe y Cycle.

-Pop electrónico

Es aquel que se ha generado con instrumentos electrónicos y sonidos digitales. Entre sus principales exponentes tenemos a Pet Shop Boys, Eurythmics y los primeros álbumes de Depeche Mode; dentro de latinoamérica a Miranda!, Lourdes, Fey y Belanova.

-Pop tradicional

Es aquel que se ha generado con la estructura musical tradicional : voz, bajo, batería y guitarra

-Pop latino

Pop latino se refiere a música pop de América Latina, Portugal y España, así como de algunos cantantes estadounidenses con raíces latinoamericanas y algunos cantantes italianos. El éxito mas importante de latinoamerica se encuentra dentro de grupos como Bandana (de Argentina), también a solistas como la famosa JLO (Jennifer López)

-Pop frente a rock

Hay tantas características comunes entre el rock y el pop que, en muchas ocasiones, una misma composición puede ser catalogada indistintamente como uno u otro con argumentos igualmente sólidos. Existe la opinión consensuada de que la principal diferencia está en la intensidad del espectáculo en directo y en la fuerza y virtuosismo instrumental.
El rock siempre mantiene la estructura tradicional "guitarra - bajo - batería", con riffs saturados y solos de guitarras penetrantes, con un gran núcleo rítmico de bajo y batería, y con voces más desgarradas. La temática de las letras suele ser más amplia y arriesgada. El pop, al contrario, no tiene estructura instrumental definida, predomina la melodía de voz sobre el resto de instrumentos, y mantiene un clímax musical más asimilable y limpio.

-Géneros del pop

*Brit-pop
*Bubblegum-pop
*Christian-pop
*C-pop
*Dance-pop
*Death-pop
*Dream-pop
*Electro-pop
*Folk-pop
*Future-pop
*Indie-pop
*J-Pop
*K-Pop
*KZ pop
*Noise-pop
*Pop latino
*Pop psicodélico
*Pop-punk
*Synth-pop
*Teen-pop
*Twee-pop
*Under-pop
*Pop-rock

·Reggae


-Orígenes musicales:
Rhythm & blues, Rocksteady,Ska, Calipso, música tradicional africana.


-Orígenes culturales:
Mediados de los 60 en Jamaica


-Instrumentos

Guitarra, Bajo, Batería, Instrumentos étnicos, organo hammond, teclados, trompetas


-Popularidad:
Alta en Jamaica, y en ambientes rastafaris desde su origen. A nivel mundial desde el salto a la fama de Bob Marley and The Wailers en los 70.


-Subgéneros
Dud, Rockers Reggae, Roots Reggae,Dancehall.


-Fusiones
Raggamuffin, Drum'n'bass, Raggamuffin-Hip hop


-Categoría:Reggae
El reggae es un género musical de origen jamaiquino (el adjetivo jamaicano se aplica a las personas). El término reggae algunas veces es usado ampliamente para referirse a la mayoría de los ritmos jamaiquinos, incluyendo ska, dub y rocksteady. El término es más específicamente usado para indicar un estilo particular que se originó después del desarrollo del rocksteady. En este sentido, el reggae incluye dos sub-géneros: el roots reggae y el dancehall.
El término reggae es una derivación de ragga, que a su vez es una abreviación de raggamuffin, que en inglés significa literalmente harapiento. Se utilizó esta etiqueta para nombrar a los pobres de Jamaica, y también a los Rastas y a los movimientos culturales de los barrios pobres. Actualmente se llama generalmente ragga o raggamuffin a algunos subestilos del reggae. Otras fuentes señalan que el término reggae proviene de una canción de The Maytals, llamada "Do the reggay", en la que la palabra "reggay" significaría "regular", es decir, gente normal y corriente. Hoy día, está muy difundido por todo el mundo este ritmo, y habitantes de islas vecinas como las islas de San Andrés y Providencia en Colombia la interpretan como música propia.

-Bob Marley


El reggae se basa en un estilo rítmico caracterizado por cortes regulares sobre una música de fondo tocada por la batería rítmica, conocida como "Beat", y la batería, que se toca en el tercer tiempo de cada compás. Este ritmo es más lento que el de otros estilos precursores del reggae como el ska y el rocksteady.
Al reggae se lo asocia con el movimiento rastafari, que influyó a muchos prominentes músicos de reggae en los años 70 y 80.
En un principio su utilización se limitaba a las ceremonias "rasta", más tarde se convirtió en un vehículo de expresión musical en los guettos de Jamaica.
Algunos de los intérpretes más conocidos del género son Bob Marley, Peter Tosh y Jimmy Cliff, Steel Pulse, Bunny Wailer, Black Uhuru, Lucky Dube, Eddy Grant, en España el famoso cantautor Camilo Sesto incursiona en los 80 con algunos temas reggae muy notorios en "Mis Sueños" de su album "Amaneciendo" de 1980 por ejemplo , entre otros.
La música reggae frecuentemente toca temáticas de tipo social, además de políticas o religiosas. Este compromiso que adopta en ocasiones el reggae permite enlazarlo con otros estilos como la canción de autor o el punk.
La primera aparición de la música reggae es atribuida a la canción "Fat man" del cantante Derrick Morgan. Aunque hay quienes sostienen que "Do the reggay" del grupo The Maytals liderado por Toots Hibbert, fue el primer tema.
El reggae, como sus antecesores, el rocksteady y el ska, se desarrolló influido por otros estilos que se escuchaban en Jamaica, basándose en sonidos Afro-Norteamericanos como el rhythm & blues, o de origen Afro-Caribeño como el Calipso, ska y otros ritmos antillanos.
La tradición cultivada en Jamaica por descendientes de esclavos.
La música de charangas y bandas de viento, impulsada por los colonizadores británicos.
La música popular estadounidense (soul, rhythm & blues) y afro-antillana (soca, calypso, mento), que se escuchaba en la radio y se vendía en discos.
Los cánticos de iglesia, relacionados con el gospel de EE.UU.

-Estilos


En Jamaica, nuevos estilos se han hecho populares, entre ellos, el Dancehall y el Ragga (también conocido como raggamuffin) consistente en un reggae con bases electrónicas, probablemente influenciadas por el Hip-Hop, Drum & Bass – y otros estilos.
Gracias a la labor de DJ Kool Herc, surgió en las calles de Nueva York una nueva cultura llamada Hip-Hop que incluye, entre sus expresiones sonoras, la música Rap que en su origen consistía en un DJ (Disc Jockey) que se encargaba de poner bases musicales en vinilo sobre las cuales un "MC" (Maestro de Ceremonias) recitaba rimas al ritmo de la música. Los términos Jaying, Toasting o Chating son usados en Jamaica. Generalmente el término rapper se usa en todo el mundo aunque se relaciona directamente con el Hip-Hop y con el Rap y no con el reggae.

-Raíces


Se llama roots reggae ("reggae raíz") a una variedad de reggae propiamente rastafari. Es un tipo de música espiritual, en cuyas letras predomina la alabanza del Dios o Jah (a menudo se exclama Rastafari queriendo decir "Principe Tafarí" (ras es principe en amaharico), que alude al nombre de nacimiento, Tafari Makonnen, de Haile Selassie I Rey de Etiopía (1892-1975), venerado como un profeta por los rastafaris. Otros temas recurrentes en las letras son la pobreza, la resistencia a la opresión del gobierno y las alabanzas a la ganja o marihuana. Hay quien considera que el roots reggae tuvo su cumbre a finales de los años 1970, con cantantes como Johnny Clarke, Horace Andy y Lincoln Thompson trabajando con productores de estudios como Lee "Scratch" Perry, King Tubby y Coxsone Dodd. La investigación experimental de tales productores dentro de parámetros tecnológicos a menudo limitados dio paso al dub, y es vista por algunos historiadores de música como uno de las primeras contribuciones al desarrollo del techno en costarica (aunque en sonido analógico).
El roots reggae es una parte importante de la cultura jamaicana. Aunque otras formas de reggae, como el dancehall lo han sustituido en términos de popularidad en Jamaica, el Roots Reggae ha encontrado un pequeño, pero creciente lugar a nivel mundial.

-Skinhead Reggae



Con la independencia de Jamaica del Reino Unido, en 1962, muchos jamaicanos pobres deciden emigrar hacía Inglaterra llevando consigo su música (Ska y Rocksteady) está música tiene mucha aceptación dentro del movimiento Mod que posteriormente y con la fusión de los Rudeboys y los boot-boys (jóvenes obreros provistos de botas con puntera de acero para trabajar) daría paso al movimiento Skinhead (en esos años habían muchísimos skinheads negros, mestizos y blancos, por lo que no era un movimiento racista), donde empezarían a tocarlo y apropiarlo de la mano de Trojan Records. Cabe destacar que el Skinhead Reggae, es un reggae pre rastafari y por ende trata temas de otra índole, no el religioso, sino el del contexto del Skinhead, es decir, temáticas de convulsión social, orgullo obrero y rechazo sobre todo al racismo y la manipulación de los medios de comunicación sobre el pueblo trabajador de cara a dar una imagen del skinhead como un joven borracho racista y ultraviolento, en vez de la verdadera imagen, la de un joven orgulloso de ser obrero, que odia la burguesía y la autoridad.
-Grupos:
-Bob Marley
-Laurel Aitken
-Skatalites
-Skarface
-The Specials Feat
-Symarip
-Alvaro Gonzalez eyou
-Derrick Morgan
-The Paragons
-The Pioneers
-Morodo
-Resistencia Suburbana
-Nonpalidece
-Alika
-Fidel Nadal
-Gondwana
-Mozambique

-Rockers


El rockers reggae es un subgénero de música del reggae que se hizo popular a mediados y finales de los 70, existiendo simultáneamente con el roots reggae y compartiendo características con el dub. El nombre fue sacado del sistema de sonido de rockers, propiedad de Augustus Pablo. También a veces se conocen el lovers rock, refiriéndose a la frecuencia de temas románticos en el trabajo de algunos artistas, como Gregory Isaacs, Horace Andy, Black Uhuru, Junior Muruin, y Dennis Brown, Steel Pulse, Aswad y Matumbi.
La música reggae frecuentemente toca temáticas de tipo social, además de políticos o religiosos. Este compromiso que adopta en ocasiones el reggae permite enlazarlo con otros estilos como la canción de autor o el punk.
La única manera de escuchar música era a través de los Sound systems. Originalmente solían ser fiestas al aire libre en el centro de Kingston. La gente se reunía a escuchar la música y disfrutar del ambiente mientras el DJ animaba al público. En la década de los años 50 los jóvenes jamaicanos estaban muy interesados por la música que llegaba de Estados Unidos, y que por las circunstancias sólo era posible escucharla gracias a las estaciones de música del Sur de Florida y los potentes vatios de los denominados Sound Systems. Los Sound Systems sustituyeron a las orquestas de los locales de música de los años 50. Resultaba mucho más económico alquilar un equipo para reproducir música norteamericana. El coste de disponer de un toca discos o radio propios se superaba poniendo sus altavoces en la calle para que todo el mundo escuchase música. Duke "The Trojan" Reid y Clement "Sir Coxsone" Dodd y Vincet "King" Edwards fueron personajes fundamentales en el desarrollo del Sound System jamaicano de 1950. Se encargaban de grabar sesiones para asegurarse un suministros de melodías exclusivas. También cabe destacar la importancia de la comunidad china asentada en Jamaica, a la que pertenecían excelentes productores asociados a los dueños de los Sound Systems. Algunos de los más importantes fueron: Lesie Kong, Byron Lee, Charlie Moo y por supuesto Vincent "Randy" Chin. Otro personaje importante fue Cecil Campbell, conocido después como Prince Buster, quien fue el primero en tener la visión y darse cuenta de la necesidad de un nuevo estilo. Enfatizó el contratiempo, es decir no en el “beat” o golpe rítmico, sino después de éste. Es así como nace el Ska. Se dice que el nombre viene cuando el futuro guitarrista de los Skatalites Jah Jerry Haines iba creando una canción como Prince Buster le había pedido y él dice que si pudiera generar el sonido con algunas letras, le sonaría a ska.
Los Sound Systems empiezan a grabar sus propias canciones para ganar ventajas competitivas entre ellos. La guerra entre Sound Systems escala al punto del envío de saboteadores por parte de la competencia para arruinar las fiestas. Estos saboteadores eran conocidos como Dance Hall Crashers. A pesar de la baja calidad de las grabaciones de Ska de este tiempo, los entusiastas de dicho ritmo lo llevan a un punto de popularidad altísimo. El Ska es reconocido como baile y música nacional de Jamaica. Como los bailes de los Sound Systems eran una de las pocas cosas que la gente del ghetto podía denominar como algo propio, se convirtieron en uno de los ejes principales de la vida del centro de la ciudad, incluso en barómetro para medir los gustos de la gente. De repente los productores comenzaron a realizar grabaciones para la venta; probaban los nuevos estilos en sus Sound Systems y casi todo el desarrollo de la música jamaicana (Ska, Rock Steady, Reggae, Dancehall, Ragga...) ha sido como consecuencia de la competición entre los Sound Systems por encontrar algo nuevo para atraer a las multitudes. La competición que existía por aquellos tiempos por demostrar quién tenía el mejor equipo y la música más cañera, era feroz, y los Sound Clashes (concurso por los cuales 2 Sound Systems alternaban canciones y eran puntuados según la reacción de la gente que asistía al evento) en algunas ocasiones derramaban violencia. Los Sound Clashes son todavía parte de la cultura del Reggae Algunos dubplates (discos de vinilo) tienen cortes ensalzando el nombre del Deejay y su Sound System. Son canciones realizadas exclusivamente por algún artista para un Sound System en concreto, dándole un gran valor añadido.
Actualmente los Sounds Systems internacionales a destacar son: David Rodigan, Kilimanjaro, Stonelove, Matterhorn, Base Odyssey...

Muestras de música


Last Writes - Brown BrigadeVibraciones America
Music Samples
Butumbaba - Disco Completo de BUTUMBABA EL MEJOR REGGAE Y SKA ARGENTINO
K-L - Mariajuana.mp3
Right Time - Mighty Diamonds
Zona Rasta - Rasta Man

·Quebradita

-Orígenes musicales:
A partir del Sinaloense y Tambora

-Orígenes culturales:
Establecida en Sinaloa, la música de banda se hizo popular a finales de los 90 por todo México,a raíz de fusiones rítmicas que cada banda asignaba a su estílo musical.

-Instrumentos comunes:
Trompetas, Clarinetes, Trombones, Tambora, Tuba, Percusiones, Tarolas (En ocasiones teclados y baterías).

-Popularidad:
Tuvo gran auge en los 90

Quebradita, también llamado Caballito , es un estilo de danza originaria a partir de otro baile llamado Tambora. Su difusión se dio gracias a la radio y la televisión, esto hizo que entre los jóvenes se lograra un total apropiamiento durante los años 90's.
Acompañado por banda, un estilo enérgio de la música de la venda de cobre amarillo, la quebradita es reconocible por su ropa occidental, el sombrero trampea, y los tirones atrevidos.

-Características

Este tipo de danza se caracteriza por las singulares coreografías, y movimientos de giros que se realizan conforme el compás, de cada tema musical que se esté ejecutando.
Los pasos de baile quebradita son los siguientes:
Se baila en pareja, el hombre abrazado completamente a la cintura de la mujer,
Las piernas van deben encajar en los respectivos espacios entre ellas, ya que estas deben guardar armonía pues se mueven igual y al mismo tiempo.
El movimiento es así: alternando los pies con pequeños brincos que hacen balancear el cuerpo a lado y lado, este balanceo es el movimiento “quebrado”, se gira en el puesto o alrededor del salón.
El hombre hace lo que se denomina tombé, es decir hacer que la mujer se eche para atrás con la espalda recta.

-Principales exponentes

Los principales exponentes de este género son:
-Mi Banda El Mexicano
-Banda Machos
-Banda Maguey
-Banda El Recodo
-Banda Cuisillos
-Banda R-15
-Banda Vallarta Show
-Banda Pequeños Musical
-Banda Zeta
-Banda Toro
entre otras bandas...

-SAMBA

El samba es una forma musical brasileña de origen africano que se ha hecho mundialmente famosa por el carnaval de Río de Janeiro.
El samba de Maricá, también llamada batucada, es de ritmo sincopado y está acompañada por instrumentos de percusión y cantos en los cuales se alternan el coro y los solistas. Se ejecuta en grupos que bailan en círculos o en dobles líneas. En su versión de baile de salón en compás de h, la samba se parece ligeramente a la rumba. Originariamente se bailaba en parejas que, en ocasiones, se soltaban para realizar una serie de pasos por separado; los más conocidos son el balão, el va e vien y la corta jaca. La samba llegó a las ciudades a finales del siglo XIX y adquirió popularidad internacional de 1920 a 1930. En la década de 1960, sus melodías, armonías y ritmos se vieron muy influenciados por un nuevo ritmo con tintes de jazz, la bossa-nova. Algunos de los autores más célebres de sambas son los brasileños Chicinha Gonzaga, Ernesto Nazareth, Tupinamba o José Barbosa da Silva. Dentro de las corrientes más actuales destacan Vinicius de Moraes, Milton Nascimento, Chico Buarque y Maria Bethania. En sus letras suelen evocar el suave clima y la belleza y sensualidad del litoral brasileño. El ritmo de la samba también ha servido de inspiración para algunos compositores de otros tipos de música, como la suite para dos pianos Scaramouche (1939) del francés Darius Milhaud.


-Historia

"La Samba" es un término que engloba más de 100 modos diferentes de baile brasileños traídos a Brasil por inmigrantes africanos, en particular por los de las tribus bantú. La Samba tiene también su origen en bailes de rituales africanos.Muchos bailes folklóricos se desarrollaron a partir de los "los bailes circulares" de los esclavos, las nuevas condiciones ambientales y las influencias europeas llegadas por la Colonialización, sobre todo después de la avolición de la esclavitud en 1888 (concentrados en Río de Janeiro, Bahia y Sao Paulo).La popularidad de este baile brasileño aumentó en todas las secciones de la población, sobre todo en carnaval. Alrededor de 1914, llegó el precursor de la Samba, el Maxixe a Europa. No fue hasta 1924 que la Samba llego a Europa.A partir de 1930 junto con la creciente industrialización en Brasil, llegó también una intensa comercialización de la música folklórica.La samba se consideró en 1949 un baile de salón. Sin embargo, la Samba que se bailaba en Europa era mucho más simple y no tenía la gracia de la Samba original. Los bailarines de Samba del centro de Europa tienen enormes dificultades para aprender los movimientos innatos de los suramericanos. Como bailar Las parejas pueden bailar en un mismo lugar, en líneas dobles o a lo largo de la pista. Se pueden separar para bailar
solos.
Para realmente poder sambear, un bailarin debe dar alegres y exuberantes interpretaciones además del difícil bombeo con cadera y el shimmie con los hombros. Sin esto, el baile de samba no puede ser llamado así.


-Competicion

La Samba tiene sus orígenes en Brasil, donde es el baile nacional. Algunas versiones de la Samba -desde Baion (pronunciado: Bajao) hasta Marcha- son bailados en el carnaval de Rio. Para conseguir el carácter real de la Samba, el bailarín tiene que jugar con la chica y mostrarse muy exuberante. Muchas de las figuras usadas actualmente en la Samba requieren un preciso movimiento de la pelvis. Esta movimiento es muy difícil de poder hacerlo, pero sin él, la Samba pierde toda su gracia.Antes de 1914, este baile era conocido con el nombre Brasileño "Maxixe". Los primeros intentos de introducir la Samba en Europa datan entre 1923 y 1924, pero no es hasta acabada la Segunda Guerra Mundial cuando la Samba llega a ser popular en Europa.La Samba tiene un ritmo muy específico conseguido por algunos instrumentos característicos de Brasil: tamborim, chocalho, reco-reco y cabaca.

·Rumba

La rumba es tanto una familia de ritmos musicales como un estilo de danza traído desde África a través de la trata de esclavos hacia Cuba.

-Variantes

Hay tres variantes principales del complejo de la danza denominada rumba cubana:
-el Guaguancó, (La Habana)
-la Colombia, (Matanzas)
-el yambú. (Matanzas)
La instrumentación para la rumba incluye tres tumbadoras (la tumbadora es un tambor inventado en Cuba que, a diferencia de los africanos, tiene llaves; se puede afinar, y escribir partituras. Hoy es universal) y dos palillos que repiquetean sobre una caja de madera. Dos de los tambores, (la tumbadora prima y el segundo o tres), marcan el ritmo básico; la tercera tumbadora llamada "quinto", (que se afina más alto), da los golpes improvisados, los floreos dirigidos a los bailarines.

-El guaguancó

De las tres variantes el guaguancó es la más elaborada, tanto musical como en lo referente a los textos. El guaguancó es danza típica de los barrios negros de la ciudad de La Habana. Las otras dos variantes (yambú y columbia) son rurales y de la provincia de Matanzas. Su canto se hace enteramente en español en vez de usar expresiones africanas o vocabulario del argot de los barrios bajos. En el sentido de los textos el guaguancó está muy relacionado con el "punto cubano", forma que tomó en Cuba la improvisación canaria yandaluza.El tempo del guaguancó es levemente más lento que el de la columbia y más rápido que el yambú. El guaguancó tiene también alguna relación musical con el "cante hondo". En su forma primitiva el guaguancó estaba formado por tres secciones:
La primera parte era la "diana": Un fragmento melódico en el cual el cantante, con mucho aplomo, improvisaba algunos "tralalala lalá", sin ningún significado textual, sino con el objetivo de tararear la melodía que desarrollaría durante el canto. Es que, como el grupo de guaguancó carece de instrumental melodicó, es la voz humana la encargada de toda la melodía.
Después, el cantante introducía el tema de la canción, el texto. El texto del guaguancó trata acontecimientos diarios referidos o a las personas específicas o a las cosas. Los versos podían ser décimas (estrofa octosílaba de diez versos también llamada "espinela". Son versos pareados), o incluso prosa. La temática de los guaguancós es frecuentemente luctuosa o, al menos, melancólica.
En la tercera sección todos los miembros del conjunto entran en un frenesí rítmico mientras se repite un estribillo. Es de una alegría desbordante que sirve de contrapeso a la tristeza del tema, es una relativización de la desgracia que marca la alegría de la vida. El negro es esclavo y se ríe. En esta sección, como en todos los formatos de llamada y de respuesta, el coro repite un patrón, estribillo o sistema de frases, mientras que el cantante improvisa.En épocas recientes, la parte vocal del Guaguancó ha eclipsado el componente bailable.Fuera de Cuba (en Nueva York, Nueva Jersey y Miami), las versiones modernas de guaguancó bailable, no tienen ninguna semejanza a la original. Ahora es bailada por los parejas múltiples o "ruedas" que están libres para hacer una variedad de pasillos al son del ritmo. La amalgama del guaguancó con su hija, la guaracha, y otros géneros es de tal magnitud, que uno no puede reconocerse apenas a un guaguancó.

-La rumba en España

La rumba ha regresado a España apareciendo las llamadas rumba flamenca y rumba catalana, en realidad más relacionadas con la guaracha que con la misma rumba cubana.

·CHA-CHA-CHÁ

El chachachá es un ritmo cubano creado en los años 50 por el flautista, compositor y director de orquesta Enrique Jorrín.

Rápidamente se convirtió en un baile popular y de salón y su nombre es la reproducción onomatopéyica de los pasos al bailar, usualmente tres pasos a la derecha y luego uno a la izquierda.

La estructura rítmica característica es un compás de compasillo (4 por 4) con principio acéfalo-anacrúsico de dos corcheas seguidas de una negra al principio del siguiente compás.

El chachachá tiene más de cuarenta años de vida. A mediados del siglo XX, el violinista cubano Enrique Jorrín, director de la Orquesta América, dio a conocer La engañadora en 1948, una canción con un nuevo tipo de melodía resultante de sus experimentos con el danzón. A partir de ese entonces, Jorrín compuso otras melodías del mismo estilo.

-La influencia del danzón
Los danzones eran interpretados tan solo por instrumentos, mientras que Jorrín le introdujo las voces de los músicos cantando a coro para darle más potencia. Este estilo gustó a los que bailaban, que ahora podían improvisar más e inventaron nuevas figuras. Durante sus primeros años como compositor, Jorrín sólo componía danzones, respetando sus cánones musicales, pero poco a poco fue modificando algunas de sus partes. Estos fragmentos modificados gustaron tanto al público que decidió independizarlos del danzón hasta llegar a lo que él llamó neodanzón. El neodanzón no es otro que el nombre original del chachachá.


-La charanga
La instrumentación del chachachá originalmente fue tomada del danzón, que en Cuba se toca con una agrupación musical llamada charanga francesa. Ésta consistía en la percusión, el piano, el bajo, la flauta y una sección de cuerdas. El auge del chachachá promovió este tipo de agrupación, que ya estaba perdiendo adeptos. Los grupos más importantes que lo interpretaron fueron la Orquesta Aragón, la Orquesta América, Los Cariñosos y la Orquesta de Enrique Jorrín.

En estos momentos la formación tradicional de la charanga es la que predomina entre las orquestas populares cubanas. En Nueva York, Gilberto Valdez forma la primera Charanga de los EE.UU. que serviría de influencia fundamental para las posteriores formaciones; pero en la década de 1970 comenzó a decaer.